BANCO DEL MUTUO SOCCORSO – Darwin! (Dischi Ricordi)  

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Uno dei dischi più maestosi dello spaghetti-prog fu senz’altro Darwin! dei romani Banco del Mutuo Soccorso, nome preso in prestito dalle società di mutuo soccorso create dai contadini come cassa comune. Il tema del disco è, come rivelato dal titolo, quello dell’evoluzione della specie ma a colpire è la teatralità che avvolge l’intera opera, degna di essere portata in scena come un musical, se anche lì non si finisse sempre per rappresentare il Gobbo di Notre-Dame o La Bella e la Bestia.

La copertina è affidata a Wanda Spinello, la stessa disegnatrice che ha messo la firma in calce alle copertine dei due dischi della Premiata Forneria Marconi dello stesso anno e coi quali la stampa italiana mette in piedi una supposta rivalità Roma/Milano di cui esiste traccia solo, appunto, sulle riviste dell’epoca.  

Siamo nel 1972 e anche il rock, seguendo l’iter Darwiniano, sta “progredendo”. La figura del chitarrista, fino a quel momento usata come vero parafulmine capace di convogliare tutte le energie elettriche scaraventate sulla Terra dal Dio del rock, viene soppiantata da quella un po’ più borghese del manovratori di tasti d’avorio. Moog, Hammond, VCS3 hanno repentinamente soppiantato le Fender e le Gibson nell’immaginario collettivo. E i Banco del Mutuo Soccorso, grazie a Vittorio Nocenzi, possono vantarsi di averne uno che in quanto ad inventiva e abilità ha davvero pochi rivali. Ma il vero protagonista del disco è lo “scimmione” Francesco Di Giacomo. Il personaggio che manca ai presunti rivali della P.F.M. fucina di grandi musicisti ma privi di un vero front-man. Cosa che invece è Di Giacomo, assoluto padrone delle sue possibilità vocali e fisicamente intrappolato nella figura di un orco barbuto perfettamente calzante con l’”ingombro” parossistico e il romanticismo grottesco che la musica del suo gruppo riesce metaforicamente a proiettare. Le sue capacità interpretative e l’innegabile raffinatezza affabulatoria delle sue liriche sono il quid che li distanzia da ogni altro gruppo pop del periodo e Darwin! il disco con cui il prog italiano conquista la posizione eretta.   

 

                                                                                   Franco “Lys” Dimauro

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BURIAL – Burial (Hyperdub)  

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Il mondo, il mondo moderno, visto da una tana.

Burial è il sabato notte consumato in un eremitaggio da attico urbano, mentre nelle arterie della città le luci delle auto corrono come plasma dentro una ragnatela di deflussori. Sostituendo allo specchio lo schermo di un laptop Burial si lancia in un gioco di riflessi prismatici che stravolge il senso della musica da club, demolendo di fatto la sua natura socializzante, il suo fragore conviviale, i suoi rituali orgasmici e tribali in favore di una solitudine sconcertante e malinconica da edificio abbandonato.

La sua musica è piuttosto il luogo metafisico dove si annidano tutti gli spettri ammansiti dalle pastiglie di MDMA, il posto dove la cultura dei rave clandestini implode e si accartoccia su se stessa, morendo sotto le sue stesse macerie.

I flash seducenti della discoteca ridotti a vaghe strisce fluorescenti di led.

Il vigore ritmico sclerotizzato in un rattrappito cigolio di nunchaku elettronici.   

L’unica dimora che rimane immutata è la notte, coi suoi mille pericoli e i suoi mille rifugi sicuri dentro cui le musiche urbane di Burial trovano scampo, trascinandosi dietro il riverbero scuro dei suoi rumori e lo scroscio incessante della pioggia che la bagna.     

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

THE JESUS LIZARD – Pure (Touch & Go)

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La testa deforme e bitorzoluta del Cristo Lucertola fa capolino prima che chiudano le paratoie degli anni Ottanta. Un mini-lp di appena un quarto d’ora dove stridori di chitarra vengono pressati fra grugniti animali e una batteria elettronica dall’impronta industrial, in una sorta di incesto tra i Sonic Youth e gli Einstürzende Neubauten.

Un suono massacrante e sfigurato che verrà abilmente condotto da Steve Albini nelle fogne metropolitane degli anni Novanta fino a farne la Treccani del noise-rock americano.

Un gigantesco coleottero sviluppatosi tra le macerie del post-core dei Flipper e dei Big Black e delle implosioni rumoriste di Glenn Branca. Rumore parossistico che squarcia il petto dell’America e ne tira fuori chilometri di viscere putrescenti e sanguinolente, le stesse che soffocheranno Kurt Cobain. Una visione antitetica a quella dell’altra band “chiave” del hardcore dei ’90, ovvero i Fugazi, priva di qualunque redenzione e totalmente diseducata al bello.

Un annichilente e reiterato stupro alla salma del rock.

L’ultimo abominio consentito.

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

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CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL – Creedence Clearwater Revival (Fantasy)  

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Ciò che il resto del mondo importa dalla rivoluzione californiana degli anni Sessanta è qualcosa che con quella rivoluzione non ha nulla a che spartire, ne’ a livello filosofico ne’ in ambito strettamente musicale. Fatte salve le vendite mainstream occasionali dei Doors di Light My Fire e dei Byrds di Turn! Turn! Turn! la vera dominatrice delle charts, fra tutte le formazioni che hanno infiammato i palchi dei grandi festival, è una band “volgarmente” restauratrice. Una formazione che piuttosto che volare in alto come molte delle formazioni della Summer of Love, preferisce viaggiare verso sud su scomodi e inquinanti trabiccoli diesel. L’originale suono della band, ovvero un validissimo garage-rock portato su disco e sul palco sotto il nome di Golliwogs, si è via via sempre più sporcato con la musica nera, quella della Louisiana, quella di New Orleans, quella del Delta, quella di Porterville che guarda caso è la stessa città a dare il titolo all’ultima canzone incisa come Golliwogs e la prima ad essere ripubblicata dalla Fantasy sotto il nuovo nome di Creedence Clearwater Revival. Tom Fogerty ha intanto lasciato il posto di cantante al fratello John il cui timbro rauco e verace si combina alla perfezione con i timbri paludosi della musica che stanno elaborando. Un suono che del misticismo lisergico degli altri compagni californiani non sa che farne. Il suono dei Creedence è un ritorno agli elementi base non solo del rock ‘n roll ma anche a quelli classici della materia.

Aria, fuoco ma soprattutto terra e acqua.

Terra da affondarci i piedi, acqua da inzupparsi come in un rito battesimale.  

Terra e acqua come quelle che segnano il lungo viaggio del Mississippi.

E ad avvolgere questa distesa di paludi, acquitrini, campi da coltivare, fattorie, boschi e piogge rigeneranti il turbante color sabbia di Marie Laveau e il macabro mantello di Bayou John, il grande evocatore di spiriti della Louisiana.

La musica dei Creedence Clearwater Revival esercita sin da subito un appeal grandissimo, ma non è musica “per giovani”. Anzi, mi correggo: la musica dei Creedence esercita un appeal grandissimo perché non è musica “per giovani”.

È il corpo (che si credeva) morto del passato che riemerge dalle acque dopo che il sogno d’amore delle comunità hippie è evaporato, dimostrando che, svanito l’inganno, quello che resta è un mondo immutabile e forse proprio per questo, rassicurante. Una tecnica che la band californiana affinerà l’anno successivo in un trittico mozzafiato di grandissimo successo e che in questo disco d’esordio emerge ancora in sordina sul materiale autoctono mostrando invece un’ottima carburazione sui pezzi altrui (Susie Q, I Put a Spell On You, Ninety-Nine and a Half), quelli dove il gruppo inizia a sfoderare il suo mood e a liberarsi dalle ultime (e uniche) esfoliazioni acide del suo repertorio.  

 

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

MAD DOGS – Ass Shakin’ Dirty Rollers (Go Down)  

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1- Incidetevi sulla mano con il rasoio “Mad Dogs” e inviate una foto al Re Censore

2 – Alzatevi alle 4.20 del mattino e ascoltate Raw Power

3 – Tagliatevi il braccio con un rasoio lungo le vene, ma non tagli troppo profondi. Solo tre tagli, poi inviate la foto al Re Censore

4 – Disegnate un cane su un pezzo di carta e inviate una foto al Re Censore

5 – Se siete pronti a “diventare un cane” incidetevi “yes” su una gamba. Se non lo siete tagliatevi molte volte. Dovete punirvi.

6 – Sfida misteriosa

7 – Incidetevi sulla mano con il rasoio il logo dei Radio Birdman e inviate una foto al Re Censore

8 – Scrivete “#i_am_dog” nel vostro status di Facebook

9 – Dovete superare la vostra paura

10 – Dovete svegliarvi alle 4.20 del mattino e alzare il volume dello stereo a volume altissimo

11 – Incidetevi con il rasoio un cane sulla mano e inviate la foto al Re Censore

12 – Guardate video psichedelici tutto il giorno

13 – Ascoltate i dischi degli Stooges, dei Saints, dei New Christs, degli Hellacopters

14 – Mordetevi il labbro

15 – Passate la puntina sul disco più volte

16 – Procuratevi qualcosa da bere

17 – Andate sul tetto del palazzo più alto e state sul cornicione facendo pipì sui ragazzini in fila per assistere a qualche talent-show

18 – Andate su un ponte e sputate giù

19 – Salite su un’auto e cercate di spingere al massimo

20 – Il Re Censore controlla se siete affidabili

21 – Abbiate una conversazione con un altro che ascolta i Mad Dogs su Skype

22 – Andate su un letto e alzate le gambe a chi vi aggrada

23 – Un’altra sfida misteriosa

24 – Compito segreto

25 – Abbiate un incontro con una “cagna”

26 – Il Re Censore vi dirà la data della prossima uscita dei Mad Dogs e voi dovrete comprarla

27 – Alzatevi alle 4.20 del mattino e andate a visitare i binari di una stazione ferroviaria

28 – Non parlate con nessuno per tutto il giorno

29 – Fate un vocale dove dite che siete un ghepardo che morde la strada

dalla 30 alla 49 – Ogni giorno svegliatevi alle 4.20 del mattino, guardate i trailer di Gimme Danger o Descend into the Mealtstrom, ascoltate Ass Shakin’ Dirty Rollers, fatevi un giro di Jack Daniel’s al giorno, parlate a “un cane”

50 – Alzate il volume al massimo e riprendetevi la vostra vita.

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

THE CREATION – Creation Theory (Edsel)  

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La recente dipartita di Bob Garner dovrebbe aver definitivamente fugato ogni probabilità di un’ennesima reunion, cosicché Creation Theory, lo splendido cofanetto piovutomi a casa direttamente dalle officine Edsel ha tutta l’aria del documento DEFINITIVO dei Creation, splendida creatura dell’epoca freakbeat inglese autrice di una manciata di singoli e di un unico album parecchi dei quali stampati all’epoca solo in Germania e di due tardivi “rientri in scena” che non ne avrebbero scalfito il mito ma neppure rinverdito i fasti.

I Creation così come li conosciamo noi nascono ufficialmente nell’Aprile del 1966, quando il manager Tony Stratton-Smith impone alla band un repentino cambio di bassista, un nome più moderno ed evocativo e un look in linea con l’eleganza ribelle dei mod. Fino a quel momento i Creation non sono altro che una delle tante band che suona sei giorni su sette per i locali di Londra portando a spasso un piccolo repertorio di canzoni americane. Si chiamano Mark Four e fra un concerto e l’altro hanno il tempo per registrare quattro singoli e pubblicarli su tre etichette come Mercury, Decca e Fontana. Risibili i primi due, già più interessanti i rimanenti man mano che la band decide di abbandonare le cover per dedicarsi ad un repertorio autoctono e di lanciare i primi “flash purpurei” per i quali diventeranno famosi e che sono dovuti all’estroso stile chitarristico di Eddie Phillips.

Il cambio di rotta obbligato da Strat impone però una rapidissima sterzata, sicchè quando nel Giugno del ’66 viene pubblicato il singolo Making Time/Try and Stop Me i Creation sono DAVVERO una band dal suono esplosivo. L’uso creativo del feedback e dell’archetto per violino strofinato sulle corde della chitarra fa di Making Time un pezzo dal fortissimo impatto, esasperato dalla produzione sapiente di Shel Talmy, l’uomo che ha acceso di furia pre-punk canzoni come You Really Got Me, My Generation, All Day and All of the Night, I Can’t Explain. È una canzone dal piglio ribelle, selvaggio, recalcitrante e indisciplinato quanto basta per piacere ai giovani. E i giovani sono il mercato. Strat aveva visto giusto. La replica non tarda ad arrivare e ad Ottobre il secondo singolo supera in arroganza e bellezza quanto fatto quattro mesi prima. Painter Man sfrutta gli stessi trucchi di Making Time, con Eddie Phillips che manovra l’archetto come fosse uno scudiscio sulla carne di un cavallo imbizzarrito mentre Biff, Bang, Pow è una corsa ad ostacoli tra le allora celebri scritte onomatopeiche dei classici telefilm di Batman colorata da un piano boogie e sorretto da una ritmica implacabile. Le cose tuttavia precipitano a gran velocità, nel microcosmo dei Creation. Stratton-Smith e Kenny Pickett lasciano la band uno dopo l’altro costringendo il bassista Bob Garner ad assumere le veci di cantante e a cercare fortuna in Germania dove tirano su alla bell’e meglio, con qualche cover un po’ sciapa di pezzi altrui, il loro unico album. Lo stile del gruppo a quel punto si adatta al timbro soul di Bob producendo canzoni come If I Stay Too Long e Cool Jerk prima di impennarsi sulla pista del montante fenomeno psichedelico con pezzoni come How Does It Feel to Feel e Through My Eyes. La produzione prosegue per tutto il 1968 con continue defezioni ed ingressi (tra cui anche, per un paio di singoli, il futuro Rolling Stone Ron Wood) prima di arrestarsi del tutto. O quasi. Perché quasi due decenni dopo, i Creation serrano le fila reclutando Mick Avory dei Kinks per realizzare un modesto album tronituonante di fiati, tastiere e ritmi da FM che manco la Electric Light Orchestra o i Boston. Talmente brutto o comunque talmente fuori dai “canoni” Creation da venire stampato solo nel 2004. Il rientro in scena ufficiale è invece del 1994, con la vecchia line-up ormai riappacificata e un nuovo contratto con l’etichetta fondata da Alan McGee ispirandosi proprio a loro nella scelta del nome e in parte dei contenuti. L’idea iniziale, ovvero quella di pubblicare un solo singolo che abbia per titolo lo stesso della band e dell’etichetta non solo viene realizzata (e pubblicata infatti col curioso titolo Creation by Creation for Creation) ma superata in corsa dalla registrazione di un intero nuovo album dal titolo Power Surge. A curarne la produzione è lo stesso Alan McGee, gasatissimo dall’idea di avere fra le mani i suoi idoli di sempre, ma il risultato ovviamente non è che un pallidissimo riflesso dei Creation di trent’anni prima e di canzoni memorabili, neppure l’ombra. La corposissima sezione audio di questo cofanetto raccoglie ovviamente tutti e tre gli album e i singoli della formazione, compresi quelli nel primitivo assetto dei Mark Four anche se la vera novità è costruita dalle riedizioni in stereo che occupano buona parte del secondo disco (comunque identiche a quelle uscite in simultanea sull’antologia Action Painting pubblicata dalla Numero Group, NdLYS).

Il DVD che occupa il quinto disco mette invece assieme le storiche apparizioni al Beat Beat Beat che avevano contribuito in maniera determinante al successo della band nel circuito tedesco e due concerti al Mean Fiddler di Londra del ’93 e del ’95 ma anche qui la cosa veramente inedita è una recentissima intervista ad Eddie Phillips registrata nel Marzo del 2017 proprio come commento al contenuto del cofanetto.

L’intera “teoria sulla Creazione” dunque. Fino alla loro estinzione.

   

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

THE GUN CLUB – In My Room (Bang!)  

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Diciamo subito che l’annuncio della Bang! Records pur se non apertamente menzognero, poteva facilmente trarre in inganno. Si tratta si, in effetti, delle ultime registrazioni di Jeffrey Lee Pierce assieme agli ormai quasi sfiniti Gun Club ma si tratta di materiale già interamente pubblicato come supplemento alle riedizioni della bellissima e mai conclusa collana 9 Lives della Flow Records già dieci anni fa buoni. Motivo per cui, se possedete quelle fondamentali reissues, di In My Room non avrete davvero cosa farne a meno che non siate degli inguaribili necrofili. A tutti gli altri consumatori abituali ma non fanatici delle portate servite ai tavoli del Gun Club diremo invece che si tratta di due differenti sedute di registrazione con due diverse line-up. Tre di esse (quelle da cui sono tratte Not Supposed to Be That Way di Willie Nelson, Ruby Doesn’t Take Your Love to Town di Mel Tillis e una nuova versione della splendida Mother of Earth) sono registrate assieme a Très Manos degli allora già lanciatissimi Urban Dance Squad, Cypress Grove e Romi Mori mentre per quanto riguarda gli “scarti” di Lucky Jim, la formazione è identica a quella dell’album fatto salvo l’intervento di dobro di Très Manos che accompagna la voce spoglia di Pierce su Be My Kid. Si tratta in questo caso di registrazioni effettuate in studio quattro mesi dopo quelle dell’album e dunque storicamente le ultime della band, parte delle quali già utilizzate per tirare su i tre volumi (prestissimo quattro, NdLYS) della Jeffrey Lee Pierce Sessions Project e affidate alle cure di Nick Cave, Mark Stewart, Thalia Zedek in versioni non troppo dissimili da quelle originali. Canzoni che spesso divagano verso un rock ‘n roll vagamente funky (In My Room, Shame and Pain, la jam senza titolo che chiude la prima side del disco), che si fermano a guardare qualche classico in cerca di un’ispirazione non sempre brillante o che si stendono sul pagliaio di qualche vecchia fattoria (Not Supposed to Be That Way, Be My Kid) in attesa che arrivi una nuova malinconia di cui cantare.   

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

CHUCK BERRY – ..Berry Is on Top (Chess)  

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Nel 1959 Chuck Berry è davvero al top. Cosicché quando la Chess allestisce quello che è il suo terzo album (ma che in realtà non è altro che un best of dei suoi primi quattro anni di incisioni) ha scelta facile nel giocare con le parole e le immagini porgendo la sua coppa di panna con, sopra, le fragole. Le berries, appunto.

Aveva varcato la soglia degli studi di Leonard Chess nel Maggio del 1955 con in mano dell’esplosivo. Chiuso dentro una custodia che ha le curve di una donna.

Trafficando con la sua chitarra e il suo amplificatore, Berry aveva trovato il modo per far convergere la musica bianca, quella nera e quella meticcia dentro un unico cono valvolare. Fatte salve le oasi hawaiiane che Chuck si concederà sovente il lusso di disseminare lungo il cammino, il songwriting del musicista del Missouri sarà una lunga, interminabile, doppia elica di DNA che replica all’infinito la medesima identica sequenza. Un filamento genetico fondamentale per determinare la natura biologica del rock ‘n roll. Sarà a quella struttura basilare che si affideranno tutte le band “restauratrici” dello status quo, quando si renderà necessario intervenire sul corpo del rock. Dai Beatles agli Stones, dai Flamin’ Groovies ai Kinks, dagli AC/DC ai Sex Pistols.

Proprio come un qualunque adolescente del dopoguerra, Chuck Berry infila le mani nel portafogli dei genitori (il blues di Chicago, il country & western della comunità bianca) per dilapidare quanto sottratto spendendolo in quello che a lui piace.

Che è il rock and roll.

Proprio il termine già ampiamente usato da Fats Domino e da altri cantanti neri e sdoganato al grande pubblico da Alan Freed dai microfoni della WJW di Cleveland mentre promuove il primo singolo di questo smilzo ragazzone dall’aria di figlio di puttana e baffetto da mozzo di nave mercantile. Sarà proprio grazie alla spinta di Freed (non esattamente a titolo gratuito, visto che il famoso DJ chiederà, ottenendolo, di essere accreditato come autore nelle successive ristampe del disco, NdLYS) che Maybellene, un riadattamento di un vecchio standard bluegrass “rivestita” con i pochi ma decisi tratti della “poetica” di Berry fatta di donne e motori, conquisterà il pubblico e il rispetto dei croupier seduti al banco della “musica da ballo” di quegli anni.

Donne e motori, dicevamo. Per tutta la sua lunga carriera, Chuck Berry non parlerà d’altro se non di una lunghissima catena di “relazioni” carnali con femmine e auto, spesso difficili da distinguere le une dalle altre. È questo il più grande elemento di rottura con la tradizione della musica nera e, insieme, di raccordo con la cultura bianca. Berry usa la struttura e la forza del blues elettrico di Chicago e la innesta in un immaginario che non è più quello dei canti di lavoro o degli struggimenti dell’uomo abbandonato e dedito al vizio ma del ragazzo che vive le istituzioni familiari e scolastiche come una prigione da cui può scappare metaforicamente solo a bordo di auto veloci o allusivamente nella liberazione sessuale.

Spinto, in entrambi i casi, da una musica altrettanto inquieta e veloce. Un suono che si appropri del giradischi di casa, che rovesci il corpo di Beethoven e imponga a Tchaikovsky l’esilio.  

Che usa un linguaggio, una ritmica “tribale” in quanto portatrice di un segno distintivo, peculiare, caratterizzante dell’appartenenza alla stessa tribù: quella degli adolescenti. L’automobile (spesso “presa in prestito” da papà) rappresenta in quegli anni lo status-symbol di una indipendenza acquisita. Fa da garante di un’ambizione inseguita e raggiunta. Diventa salotto, letto, bar, juke-box, casa. Dimostra, insomma, di essere “abbastanza cresciuto”, come canta Berry sulla Almost Grown che apre in chiave R ‘n B questo suo Berry Is on Top che scodella più avanti tutti i pezzi-chiave della sua prima parte di carriera, da Johnny B. Goode a Carol, da Around and Around a Roll Over Beethoven, da Little Queenie a Sweet Little Rock ‘n Roller. L’abbecedario del rock ‘n roll.  

L’uomo nero che invece di mangiarsi i bambini, inghiotte in un solo boccone i loro genitori.

 

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

JIM JONES & THE RIGHTEOUS MIND – Super Natural (Hound Gawd!)  

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Dopo gli Hypnotics, i Black Moses e la Revue, ecco Mr. Jim Jones di nuovo al debutto. Ancora una volta con un disco pronto a tirarvi la sedia da sotto il culo e sfasciarvela in testa. Uno che ha ancora fra i suoi dieci dischi preferiti quelli di Stooges, MC5, Jerry Lee Lewis, Sly Stone, Tom Waits, dei Cramps e le storiche registrazioni di Alan Lomax difficilmente può sbagliare. E infatti non sbaglia.

Il nuovo progetto ha, rispetto ai precedenti, una maggior influenza gotica e noir che caratterizza canzoni spettrali come Shallow Grave e Everybody But Me e che si riversa copiosa dalle copertine così come dai tre video fin qui realizzati dalla band ma i nodi con le precedenze esperienze musicali di Jim Jones non sono stati affatto sciolti o recisi. Gli Stooges e il boogie-rock del Killer sono la base acida dentro cui vengono disciolte canzonacce sbronze come Dream, Base Is Loaded e Something’s Gonna Get Its Hands On You mentre canzoni come No Fool, Aldecide o Till It’s All Gone perseverano a sfangare nel gusto peccaminoso del blues assordante e ferroso dei Grinderman. Super Natural conferma la caratura di Jim Jones, la sua grande capacità di rinnovarsi senza mai tradire la fede nel rock ‘n roll più abbietto ed esagerato per pose e volumi. Daccene ancora, Lord Jim.   

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

F:A.R. – Mechanics & Music (Nastri ’81-’85) (Again Records/Der Klang/Luce Sia)  

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La prima domanda, in una campagna di ristampe dedicate ai F:A.R., potrebbe essere “perchè partire proprio dai nastri?”. La risposta è semplice. Quella del tape-network fu la pratica di registrazione e distribuzione adottata ufficialmente dal movimento industrial europeo sin dalla metà degli anni Settanta, quando Genesis P- Orridge, in una celebre quanto carbonara newsletter inviata ai suoi adepti, ne formalizzò l’utilizzo come massima forma espressiva del fai-da-te musicale proclamando che tutto quello di cui si aveva bisogno per realizzare un disco non era altro che un registratore per nastri e un microfono a condensatore. Dando esempio di quanto scritto i Throbbling Gristle avrebbero realizzato in quel modo il loro Music from the Death Factory, dando i natali a tutto quello che verrà storicizzato come suono industrial. Poco dopo i T.G. avrebbero ribadito il concetto utilizzando 1150 nastri degli Abba per registrarci sopra 23 esibizioni delle loro performance dal vivo da distribuire dentro 50 valigette ventiquattrore. 

Analogamente, in America, i Residents iniziavano la loro carriera spedendo attraverso il loro fan-club i loro lavori su cassetta.

Le cassette, insomma, erano un modo per stare nel mercato senza fare parte del mercato, per esprimere allo stesso tempo le proprie velleità artistiche ed il proprio disgusto per le “fabbriche” consumistiche dell’arte. Ed era anche una maniera consapevole di allinearsi ad un’etica più “povera” rispetto ai costi (di stampa, ma anche di riproduzione e di spedizione) del dominante mercato dell’LP.

Questa scelta etica ed estetica fu adottata praticamente da tutta la scena industrial. Italia compresa. F:A.R. compresi.

Ha dunque senso partire proprio da lì per ripubblicare in formato digitale le molliche lasciate lungo il cammino da una delle formazioni chiave per la scena rumorista/industrial del nostro Paese. Le rappresentazioni dell’ensemble di Savona erano una vera e propria casa infestata da orchi cattivi e arpie obbligate ad un tormento senza fine di cui l’aspetto “musicale” qui contenuto costituiva solo una parte dell’insieme. I nastri “ripuliti” per l’occasione sono Duello sul cervello, Final Alternative Relation e Lust. Contengono idee di suono e di rumori ora riflessive ed esoteriche, ora brutali e caotiche, insidiose. Del tutto pronte ad accogliere il caos, l’effetto casuale e imprevisto. Reperti sonori della civiltà industriale e dei suoi demoni.

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro