THE ART OF NOISE – In No Sense? Nonsense! (Warner Bros.)  

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Di tutto quanto previsto nell’ambizioso “statuto” associativo firmato nel 1983 dalla  coppia Trevor Horn/J.J. Jeczalik ben poco era stato fatto. Gli Art of Noise erano però riusciti, pur tradendo l’iniziale ispirazione a diventare i nuovi Kraftwerk, a dominare le classifiche per un paio di anni buoni: canzoni come Beat Box, Moments in Love, Paranoimia e la cover di Peter Gunn erano diventati dei classicissimi del synth-pop anche dopo che Trevor Horn aveva giudicato il progetto un fallimento dal punto di vista artistico e aveva deciso di tirarsene fuori. Alla vigilia del terzo album anche l’ingegnere Gary Langan (uno che con i suoni di plastica ci sapeva fare, basti ascoltare quanto fatto per i Queen, gli Yes, gli ABC o gli Scritti Politti in quegli anni) abbandona il progetto, lasciandolo in mano ai soli Jeczalik e Anne Dudley. Sono loro a realizzare In No Sense? Nonsense! con lo stesso trucchetto che gli ha garantito il dominio delle piste da ballo: un colloso pastiche di elettronica dove bassi gommosi, loop vocali e pattern ritmici (che adesso dal vivo replicano con una band in carne ed ossa) cercano di arrampicarsi lungo le scale di un pianoforte e di entrare nelle sale delle corti dove si consuma la musica classica. È da questo dadaista e buffo incrocio che prenderà spunto gran parte della trance elettronica di successo del decennio successivo, primo fra tutti Robert Miles con la sua Children. È una musica che funziona alla perfezione per le commedie hollywoodiane di quel periodo e non serve che a dircelo sia Ian Peel dalle note di copertina di questa edizione deluxe. Perché gli Art of Noise rappresentano tutta la meccanica sequenziale e volgare degli anni Ottanta. La nuova rimasterizzazione, oltre a correggere alcuni errori grossolani delle stampe dell’epoca, non fa che esaltare tutta la pacchiana messinscena della formazione senza volto. Aggiungendo un’ottima selezione di inediti e di rarità tirate fuori rovesciando il loro cilindro fino a colmare un intero secondo cd. E giustificandone il ritorno su quegli scaffali da cui hanno deciso di disertare ormai da venti anni ma che tuttavia non hanno mai abbandonato definitivamente.

Sempre nascosti dalla loro maschera. Un po’ come noi.

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

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COWS – Daddy Has a Tail! (Amphetamine Reptile)  

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Molti anni prima del #metoo essere stuprati piaceva un po’ a tutti. Negli anni a cavallo fra gli anni Ottanta e Novanta questa pratica raggiunse molto probabilmente il suo apice. A quei tempi le officine della Amphetamine Reptile facevano più paura del metro quadrato di spazio compreso tra il pavimento e la scrivania di Harvey Weinstein, eppure eravamo in tanti ad infilarci proprio lì, in quell’opificio con la scritta NOISE ben illuminata all’ingresso.

Nel 1989 è una di quelle attività in piena espansione, nonostante claustrofobia sia il termine che per primo viene in mente ogni qualvolta si passi per quei corridoi. È l’anno in cui l’etichetta di Washington recluta band come Boss Hog, Surgery, Lubricated Goat, Vertigo, Helmet, Helios Creed, dando l’idea che il passatempo di Tom Hazelmyer sia in tutto e per tutto simile al suo vero lavoro come operaio in fonderia. Tra questi ci sono i Cows di Minneapolis. Non degli esordienti a tutti gli effetti ma che per la AmRep esordiscono, per così dire, una seconda volta.  Daddy Has a Tail! è infatti disco superiore all’esordio, pur senza cambiare di fatto gli ingredienti e soprattutto senza affinare di molto la ricetta.

I Cows non sono nulla di più che una scalcinata band buona per salire sul palco quando ogni singolo cliente del pub non è capace di distinguere un fusto di birra da un vitello. Un gruppo cui nessuno può dar credito tranne noi che custodiamo ancora i primi dischi di Meat Puppets e Butthole Surfers come reliquie e che ci piace immaginarci sbronzi come pirati mentre intoniamo robaccia come Part My Konk o Shakin’ All Over del comandante Johnny Kiss ruttando bestemmie all’aroma di rum.

La musica dei Cows è torbido piscio di bovino dentro cui ci piaceva rotolarci come maiali nel fango, umiliandoci senza neppure doverlo esibire in pubblico.

Altro che #metoo.

Altro che “carina, fammi un pompino e ti mando sul red velvet”.

Altro che gossip.  

Altro che milf.

Altro che l’orco cattivo.   

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

THE STAIRS – Mexican R ‘n’ B (Deluxe Edition) (Cherry Red)

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Segnatevelo adesso che siete ancora in tempo. Che poi magari sotto le feste di Natale non sapete cosa cazzo chiedere a Babbo Natale e vi ritrovate per Santo Stefano a parlare coi soprammobili chiedendo “Ok Google! In quale cassetto sono i calzini puliti?”.

Ecco nuovamente a noi Mexican R ‘n’ B, il disco che per la seconda volta nel giro di un paio di anni fece sgorgare un sogno orfano tra le cantine di Liverpool, così come era stato per i La’s.

Eccone qui, triplicato, l’amplesso.

Ancora monoaurale, sebbene deluxe.

Ecco la belva Edgar Jones puntare infinite volte alla nostra giugulare. E poi sferrare l’assalto, tirando via la carne.

Ecco la deriva carnale di tutto il brit-pop, il suo lattiginoso spruzzo di sperma rock ‘n’ roll.

In quel lontano 1992 gli Stairs lasciano le caverne di Liverpool vestiti con poncho, sombreri e tuta da astronauti, disincagliano il cadavere dell’acid summer e ne spingono gli “amabili resti” dentro una sacca di R ‘n B lascivo e sborroso. Finite le scorte delle pillole della felicità, si tornava a chiamare la marijuana per nome (Mary Joanna) o per sinonimo (Weed Bus), a raschiare accordi rubati a Brian Jones e Jeff Beck.  

Gli Stairs, come i concittadini La’s, erano completamente fuori dal tempo e dalle mode, pericolosamente vicini alle navi corsare di Chocolate Watch Band e Shadows of Knight. A differenza del gruppo di Lee Mavers e della stragrande maggioranza della scena Liverpooliana e dell’Inghilterra tutta non amavano però prendersi troppo sul serio.

Forse proprio per quello snobbati da tanti.

Forse proprio per quello diventati una vera band di culto.

Forse proprio per quello dimenticati in fretta.

Mexican R ‘n’ B, anche oggi che è avvenuto lo scarto generazionale che ce lo restituisce in questa sua prima riedizione, resta un disco pieno di grandissime meraviglie e di alcuni dei più memorabili riff usciti dalla giovane Inghilterra degli anni Novanta (Mundane MundaeWeed BusMr. Widow PaneMary JoannaOut in the CountryWrap Me Round Your FingerWoman Gone and Say GoodbyeRight in the Back of Your MindSweet Thing) solcati da una voce che lascia strisce di bava erotica ad ogni vocale.

Gli Stairs ci regalavano il perfetto anello di congiunzione tra Out of Our Heads degli Stones e Safe as Milk di Captain Beefheart, lasciandoci in eredità uno dei più bei dischi di rock ‘n’ roll di sempre senza la pretesa di diventare nient’altro che una indie band.

Finendo per caso nella più bella storia mai raccontata e subito tirati via, prima che le enciclopedie  si accorgessero di loro.

La scorta di pezzi su singolo di quel periodo è ugualmente preziosa, finendo per pescare nel mare pescoso delle garage band degli anni Sessanta con cover di Seeds, Them e Del-Vetts da tirar su i peli e anche altro. E ora, sta tutto pigiato qui dentro assieme anche a demo e prove di laboratorio, compresa una primitiva versione di quella I’m Bored che Edgar Jones avrebbe poi pubblicato con i Big Kids incidendo uno dei dieci singoli da salvare di tutto il rock inglese degli anni Novanta.  

Apparentemente dileguati nel nulla dopo l’uscita di quel capolavoro rough-beat gli Stairs continuarono in realtà a sconvolgere il loro suono elaborandolo così tanto da destabilizzarsi. Il secondo disco viene allora accantonato e la band si sfascia, per sempre. L’album, già pubblicato in poche centinaia di copie dalla Viper Records dieci anni fa col titolo di Who Is This Is,  viene ovviamente aggiunto in uno dei due dischi complementari della sontuosa ristampa Cherry Red: il crudo e crepitante R ‘n B stonesiano del debutto è diventato un budino allucinogeno dove galleggiano grumi di psichedelia, Northern Soul, Detroit-punk, hard-blues, prog-rock, echi di Move, Mayfield, Stones, Action, sciccherie barocche da Magical Mistery Tour, modismo da Magic Bus, vapori Hendrixiani e sevizie fetish da L.A. Blues.

Le chitarre si dilatano e si attorcigliano, Edgar spinge le corde vocali fino allo spasimo e fanno capolino fiati e flauti. Un suono che si celebra così tanto da auto-indursi alla eiaculazione (come nel solo Bonham-iano di Stop Messin’  o nella fellatio chitarristica di Happyland, NdLYS) ma che avrebbe potuto darci ancora quelle vibrazioni che invece ci vennero subito negate.

Che ne dite, pensate di essere in tempo per provarle adesso?

 

                                                                                     Franco “Lys” Dimauro

 

3RA1N1AC – H1551ng Pri95 1n 5tati1c Coutur3 (Touch and Go)  

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L’ultimo disco dei 3ra1n1ac con le chitarre.

L’ultimo disco dei 3ra1n1ac con T1mmy Taylor che suona le chitarre.

(Quasi) l’ultimo disco dei 3ra1n1ac con T1mmy Taylor.

(Quasi) l’ultimo disco di T1mmy Taylor.

Poi, dopo aver compiuto l’ultima bravata coi compagni tirando sassi di kryptonite all’indirizzo dei nuovi compagni di etichetta Man or Astro-Man per un quarto d’ora di fila, T1m avrebbe lasciato per sempre il pianeta terra.

I 3ra1n1ac sono eredi di quella follia strisciante che ha sempre caratterizzato l’Ohio, prima ancora che lo stato del Midwest diventasse in qualche modo il vessillo della tradizione storica nazionale con le sue Hall of Fame consacrate ai nomi che hanno fatto la storia della musica americana. La loro musica è una gigantesca ruota panoramica che da Cleveland guarda a mezza America e allunga lo sguardo al di là dell’Oceano.

H1551ng Pri95 1n 5tati1c Coutur3 suona come dei Wire sotto elettro-shock. Costretti ad ammettere che il punk era tutta una grossa minchiata, con gli elettrodi infilati sotto la pelle fino a che non saltano sui rami del platano più vicino come bertucce vivisezionate.

Pu55yfoot1n’, 1 Am a Crack3d Machin3, Ki55 M3, U Jack3d Up J3rk e V1nc3nt Com3 on Down suonano come dei Girls Vs Boys obbligati ad essere stuprati da queste scimmie mentre Ian Svenonius celebra la sua messa punk facendo le linguacce come Jagger.

Leccando i piedi a Dio. Finche T1m non decide di salire su per asciugarglieli.  Lasciandoci qui un po’ più soli.

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

GENE CLARK – Two Sides to Every Story (High Moon)  

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Se dicessi che questo è il capolavoro di Gene Clark mentirei alla storia.

Siamo nel ’77, nel pieno della parabola discendente di Gene Clark, giunta ormai al capolinea sia dal punto di vista ispirativo che da quello privato. Risucchiato in un drammatico vortice di abusi di alcol e droghe, frustrato dalle vendite irrisorie del suo ultimo lavoro, (nuovamente) privo di contratto discografico, sfinito dagli attacchi di panico, psicologicamente sfigurato da disturbi bipolari sempre più profondi e abbandonato da moglie e figli atterriti dai suoi sempre più frequenti sbalzi d’umore e scatti di violenza, Gene allestisce il suo ennesimo tendone del circo country plagiato e raggirato dal suo produttore che approfittando di uno dei tanti momenti bui di Clark licenzia in tronco la sua band e lo convince a scucire un po’ di quattrini per finanziarsi le registrazioni che troveranno tutte le case discografiche con le porte serrate quando si tratterà di pubblicare l’eventuale disco tratto da quelle sessions.

Alla fine sarà la RSO a dare una chance a Gene Clark, pubblicando Two Sides to Every Story sul suo catalogo a fianco dei dischi di Bee Gees, Blind Faith ed Eric Clapton. Gene Clark che a quel punto della sua carriera, come dicevo, ha già scritto tutti i suoi capolavori ma è ancora capace di fare dischi dignitosi. E Two Sides to Every Story lo è, indubbiamente. La sua voce su Past Addresses e Give My Love to Marie ha ancora la capacità di carezzarci l’anima e di cacciare via qualche spirito cattivo anche se il musicista californiano è perseguitato dai suoi.

La ristampa a cura della High Moon non prevede alcun bonus sull’edizione fisica ma è possibile scaricare il materiale supplementare in formato WAV collegandosi al sito dell’etichetta e digitando il codice presente nella card allegata al supporto. Ecco dunque un’intervista di dodici minuti e una ventina di canzoni eseguite con i Silverados (la backing band di Elvis Presley) che Gene avrebbe voluto portare in studio ma che la cui presenza venne infine boicottata da Thomas Kaye, come accennato prima.

Affrettatevi, però, che ben presto Two Sides tornerà ad essere introvabile come è suo costume.     

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

 

AA. VV. – Voyager Golden Record (Ozma)  

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Il disco d’oro dei dischi d’oro.

Ovvero il lancio del disco nella sua accezione più pura e megalomane.

Ovvero, pure, l’uomo che torna ad alzare la torre di Babele. Stavolta non per toccare il culo a Dio ma per toccare quello dei marziani.

A renderlo finalmente fruibile su un comune piatto per vinili è adesso a quarant’anni dal suo “lancio” la Ozma Records di Timothy Daly, l’uomo dietro l’Amoeba di San Francisco.

Ma andiamo con ordine.

È il 1977 e la NASA si appresta a lanciare nello spazio le sonde Voyager, dove si trovano a fluttuare tuttora, ormai fuori dal nostro Sistema solare. Nel frattempo è morto Carl Sagan, l’uomo che assieme ad un comitato nominato all’uopo, ha il compito di scegliere una serie di dettagli audio e video che attestino e documentino la presenza e la storia dell’Uomo terrestre.

Dentro quelle sonde viaggia infatti un sistema ormai obsoleto di “informazioni” destinate a rivelare la presenza di una forma di vita intelligente (obsoleto, dicevo…NdLYS) sul pianeta Terra. Un disco dove, supposto che un marziano comune abbia un grammofono e un grammo di curiosità, potrà ascoltare i rumori della natura, cinquantacinque lingue parlate dai terrestri, svariate foto e diapositive e una “selezione” di brani musicali che dovrebbero rappresentare le diverse culture e, si suppone, l’eccellenza raggiunta nel campo di quest’arte da parte dei terrestri.

Il contenuto di quel disco viaggia adesso ovviamente anche in rete e potete andare qui https://voyager.jpl.nasa.gov/golden-record/whats-on-the-record/ per curiosare tra i suoi anfratti. Se invece volete “possedere” l’oggetto o perlomeno una sua economicamente ragionevole copia, eccovi qui i tre vinili della Ozma, con tanto di tappetino per piatto con la stampa del “viaggio” interstellare del Voyager e la riproduzione di tutte le foto contenute sul disco d’oro originale e quelle ritrasmesse dalla sonda lungo il suo percorso. Insomma, una fetta di storia direttamente a casa vostra. Esattamente quella fetta di musica che, dopo accurate selezioni e problemi legali (che obbligò i curatori a tenere fuori, ad esempio, i Beatles), ha raggiunto “fisicamente” dimensioni davvero a noi sconosciute.      

A fare la parte dei leoni sono ovviamente i compositori “classici”, da Bach a Mozart, da Stravinsky a Beethoven e la musica “etnica”, ma ad essere rappresentate sono anche le rivoluzioni del jazz, del blues e del rock ‘n’ roll con Louis Armstrong, Blind Willie Johnson e Chuck Berry.

Ah, giusto!!! Il contributo italiano? Meno di due secondi: “Tanti auguri e saluti”.

Come siamo piccoli.  

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

ALICE COOPER – Billion Dollar Babies (Warner Bros.)  

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In una delle stanze del Teatro-Museo di Salvador Dalí, a Figueres, c’è un minuscolo  Alice Cooper che gira dentro un cilindro di vetro. Gambe incrociate, ingioiellato e con una statua di Venere al posto del microfono. Il suo cervello è stato tirato fuori dal cranio e gira assieme a lui ma fuori dal suo corpo, condito con formiche e cioccolato. È l’Alice Cooper che con School’s Out è diventato nel 1972 il dominatore assoluto dello shock-rock e che ha appena pubblicato Billion Dollar Babies.

Cosa aveva visto Dalí in Alice Cooper? Un’anima affine, un perverso polimorfo simile a lui? Una versione tagliente, malvagia, negativa della bellezza raffaellita che lo aveva attratto da sempre? Un sogno erotico androgino proibito e quindi ancora più desiderabile, come quando da piccolo gli veniva impedito di accedere nei locali della cucina di casa? Forse tutte queste cose. Forse nessuna. Forse tutte e ancora altre. Nessuno può dirlo. Neppure loro, che di sicuro mentirebbero entrambi, pur se fossero entrambi vivi.

Billion Dollar Babies, l’album uscito in quel medesimo periodo, è l’ennesimo disco-commedia, una sit-com in cui i protagonisti incarnarti o descritti da Vincent Furnier si trovano invischiati in situazioni paradossali.

Travestiti, necrofili, odontofobici, suore ninfomani, candidati alla presidenza degli Stati Uniti (Elected gli portò allora DAVVERO una manciata di voti alle presidenziali poi vinte da Nixon e venne in seguito utilizzata per la vera candidatura di Furnier alle elezioni del 2016, con un programma elettorale che prevedeva tra le altre cose l’aggiunta della scultura di Lemmy alle celebri facce presidenziali del Monte Rushmore e il rientro forzato di Brian Johnson negli AC/DC, NdLYS), stravaganze e caricature assortite che favoriscono l’adozione degli Alice Cooper da parte del pubblico metallaro, senza che in realtà la formazione abbia mai abbracciato il verbo hard-rock. Come se la strega Cooper avesse davvero fatto un sortilegio.

Billion Dollar Babies e le sue bellissime Raped and Freezin’, No More Mr. Nice Guy, Mary Ann, Generation Landslide, Elected confermano invece gli Alice Cooper come i più credibili eredi del cabaret macabro e assurdo di Zacherle e Lord Sutch. A dimostrazione che Salvador Dalí ci vedeva meglio dei metal-kids.

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

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1313 MOCKINGBIRD LANE – “Have Hearse Will Travel” (Cacophone)     

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Non erano un’eccellenza della scena neo-garage degli anni Ottanta, i 1313 Mockingbird Lane. Ma era quel che restava, dopo che la “prima onda” dei vari Creeps, Miracle Workers, Unclaimed, Fourgiven, Sick Rose era stata spazzata via. Nel 1990 dunque “Have Hearse Will Travel” ha pochi rivali nel suo genere, tanto da potersi fregiare del prestigioso marchio Sundazed.  

Il “suo genere” è un infetto garage-punk corroso dal fuzz, solcato da un martellante Farfisa, pieno di riferimenti alla demenza dei novelty-records e degli horror movies di serie-B (il nome della band è l’indirizzo di residenza dei The Munsters dell’omonimo telefilm) e registrato su un semplice marchingegno ad otto-tracce, che i 1313ML non hanno finezze da aggiungere a quella mefitica bolgia di suoni approssimativi che strozzano le canzoni come un rampicante malvagio.

Uomini-lupo, auto da onoranze funebri, famigli decapitati, case infestate, pipistrelli e squartatori di second’ordine sono l’immaginario dentro cui sguazza(va) la band americana.

In pochi dunque si saranno accorti, ché di quel periodo non sono scomparsi solo i gruppi ma l’intero bacino d’utenza (stampa compresa), che il loro disco di debutto è stato adesso ristampato in grande stile: una bellissima versione su vinile schizzato di sangue con copertina apribile piena zeppa di storie ed aneddoti firmati da ogni singolo componente della band e cartolina per il download delle bonus che se siete pigri trovate invece  comodamente sul formato CD: i singoli del periodo e il pezzo regalato a What Wave (Monkey Cage Girl, Egyptian Caravan, Queen Bitch, Things Are Different Now) e un paio di superflue versioni alternative di Blood on the Moon e di Ooga Booga Baby.  

Dunque se vi piace quel piccolo mondo perverso dove il raccapriccio è sinonimo di festa, fatevi sotto. Qualcuno qui reclama la vostra pala.

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

THEM – The “Angry” Young Them! (Decca)  

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L’unica vera star solista venuta fuori da tutta la British Invasion risponde al nome di Van Morrison. Potremmo aggiungere, con una manovra da trampolieri, Eric Clapton, che tuttavia transitò per gli Yardbirds solo per un paio di singoli. Oppure le carriere soliste dei Beatles che però non eclissarono mai la storia del gruppo-madre. Ne’ allora ne’ adesso che una metà di loro sono morti.

L’unica stella in grado di staccarsi dal corpo madre e quindi di proiettare un’ombra totale sul suo passato rimane dunque quella di Van Morrison. Come se da solo Van “the Man” valesse cento volte più dei “suoi” Them.

Probabile. Non voglio farmi altri nemici, che ho già completato la pinacoteca.

Però che roba erano i Them! Con quello schianto di voce di Van, certo. Ma anche tutto quell’R&B che spingeva da sotto, e quei suoi primi graffi così forti da sfregiare per sempre la storia del rock. Chiedete di Gloria, in giro per il mondo. E scoprirete che insieme a Louie Louie e a quell’uxoricida protagonista di Hey Joe gira per il mondo da un tempo immemore. Come Ulisse. Come Davy Jones.

Gloria, quel gioiello di tre-accordi-tre pubblicata nel 1964 (pensate, come B-side!), stava anche sul loro album di debutto. Quello su cui i giovani, arrabbiati irlandesi se la prendevano con John Lee Hooker, Rosco Gordon e Jimmy Reed ma soprattutto scrivevano cose come Mystic Eyes, I Like It Like That, I’m Gonna Dress in Black, Little Girl, Go On Home Baby. Musica nera coi capelli rossi. Che diventa musica bianca coi capelli lunghi quando Morrison intona quello spelling secondo solo a quello intonato dieci anni prima da Bo Diddley su I’m a Man.

Gloria è la canzone d’amore che diventa supplica, quindi esplorazione e infine deflagrazione sessuale. Sarà la supplica, l’esplorazione e la deflagrazione di tanti, da lì in avanti. Ma lo è già adesso, all’atto di nascita. Con la voce lasciva di Van Morrison a latrare come un cane bavoso che ha fretta di presentarvi la sua nuova ragazza per potersi appartare il prima possibile. L’urgenza di Gloria, diluita nelle quattordici canzoni di The “Angry” Young Them! non perde un’oncia della sua essenza primordiale. Neanche oggi, che di Glorie e di “vecchie glorie” nei nostri letti ne abbiamo ospitato tante. Neanche domani, quando loro saranno a stento un ricordo ma la Gloria dei Them sarà ancora lì a provocarci una striscia di bava.  

 

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

UZEDA – Un panZer di ghisa E D’acciAio

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Italia, primi anni Novanta:

la Lombardia aveva gli Afterhours e il Piemonte i Marlene Kuntz.

I più fortunati, una volta tanto, sono i Siciliani: loro hanno gli Uzeda.

Gli Uzeda nascono tra l’epoca “Toscano” (Rock 86) e l’epoca “Virlinzi” (Cyclope) e nascono dall’incrocio fra due fra le migliori band della “nuova onda” catanese: i Candida Lilith di Cesare Basile e i Boyler capeggiati da Agostino Tilotta.

È proprio la compagna di quest’ultimo ad assumere il ruolo di vocalist di questa nuova creatura a cinque teste che inaugura nel 1991 il catalogo della intraprendente e ormai defunta A.V. Arts. Out of Colours è, fra i dischi della formazione catanese, l’unico a risentire maggiormente dell’ombra lunga, seppur deformata, del post-punk inglese. Strutture ed effettistica ricordano più i Banshees, i Chameleons e i Cocteau Twins che le formazioni di area noise americana che imiteranno prima e supereranno nel breve volgere di pochi anni registrando una delle metamorfosi più sorprendenti con cui la fauna rock ci abbia mai stupito.

Porta Uzeda si apre così: un po’ in ritardo sui tempi, che le fauci del post-punk si sono richiuse da tempo. Ma da quella porta passerà di lì a poco un vento destinato a sferzare Catania per lunghissimo tempo.  

                                                                                 

I cinque ragazzoni catanesi cominciano presto a guardare sempre più lontano, verso quell’America prodiga di chitarre cariche di violenza, di impalcature ritmiche sempre più rigorose, di escursioni termiche tra rumore bianco e grigio silenzio.

Credono in quello che fanno, fino in fondo.

Fino a chiedere a Steve Albini di produrre il loro secondo disco.

Steve accetta e vola fino a Catania, per mettere mani e cervello dentro “Waters”.

Nessun refuso di stampa.

Nessuna svista.

Proprio così: Albini va dagli Uzeda e non viceversa.

Non so cosa voglia dire, ma è giusto precisarlo.

“Waters” viene registrato a La Nuova Ciminiera di Catania e pubblicato ancora una volta per la sfortunata A.V. Arts ed è un diavolo di disco.

Un suono carico di violenza trattenuta che esplode episodicamente in veri e propri tornado di decibel di cui Pushing All the Clouds rappresenta il manifesto più immediato, con questa massa di chitarre in perenne movimento.

Banalità geofisica a parte, sembra di guardare l’America dei Sonic Youth attraverso lo sfintere dell’Etna.

La voce di Giovanna Cacciola è totalmente immune dal morbo melodico/persuasivo tipico della tradizione culturale italiana così come dal terribile, forzato urlo finto-rock che tante signorine imbellettate portano sul palco nel tentativo di rovinarsi la reputazione. Dal canto suo tutta l’armatura strumentale e ritmica fa volentieri a meno della tradizionale verbosità tipica sia del noise più cerebrale che del rock più ortodosso, preferendo spesso lavorare sull’alternanza e sovrapposizione di elementi minimali: I‘m Getting Older, Roaming World o It Happened Here sono costruite proprio in questo modo.

Tied riduce il gioco a una versione portatile per solo basso e voce.

“Waters” è disco di taglio e caratura mondiale, in grado di fare le scarpe anche al “vicino” Rid of Me della signorina Harvey e di infilare gli Uzeda prima nel vassoio di dolci italiani di Mr. John Peel e quindi versandone le gocce nel Sacro Graal del noise-rock universale.

 

Venti anni dopo la PFM sono infatti proprio gli Uzeda a potersi vantare di essere la seconda band italiana fra le oltre 2000 band in totale ad essere chiamata dal deejay inglese a registrare direttamente dentro gli studi della BBC dove conduce dal 1967 il suo radio show. E così l’8 Maggio del 1994 un panzer catanese fa il suo primo ingresso nei Maida Vale 4 e scarica punzonatrici, seghe circolari, scarificatori, martelli pneumatici, frese, trapani a colonna e un aspiratore per ripulire gli studi dagli scarti di lavorazione. Gli Uzeda sono pronti a registrare i sei pezzi che troveranno anche la gloria di una uscita discografica per la storica Strange Fruit. Tre panni sporchi tirati fuori dall’oblò di “Waters”, altre tre lastre di metallo appena sfornate e rivettate a velocità impressionante davanti ai nostri occhi e soprattutto sotto le nostre orecchie. Higher Than Me e Slow sono virulenti cicloni noise che preludono ai cataclismi vertiginosi di 4 e Different Section Wires. Da quelle Peel Sessions gli Uzeda non torneranno più uguali a quelli di prima.

 

4 come il numero di dischi incisi, anche se diversi per formato e durata. 4 come la nuova disposizione del plotone Uzeda che intanto è riuscito con un accurato lavoro diplomatico a superare le trincee americane e conquistare gli avamposti noise della Touch and Go. E adesso può dirlo al mondo licenziando 4: 4 come il numero di pezzi di questo E.P.

Gli Uzeda si confermano entomologi del rumore. Lo catturano e lo imbottigliano come fosse un coleottero costretto a scagliare la sua corazza sulle pareti fino allo sfinimento. Attorno a quella prigione, gli Uzeda si compiacciono dell’operazione e la documentano, registrandone il suono. Spasmi e contrazioni sono quelli che si ascoltano su questi 12 minuti di vertigine noise disegnata col compasso di Galileo.

C’è qualcosa di spietato che percorre la musica degli Uzeda. Ma non c’è disperazione. Tutto è sotto controllo come in una sala chirurgica.

Gli Uzeda tengono saldamente la Gorgone per i capelli e le mozzano la testa, poi si mettono in posa davanti alle tele del Caravaggio, l’unico che possa dipingere lo sgomento di quello che loro hanno portato in dono.

 

Se me lo avessero detto allora, che la sezione ritmica degli Uzeda sarebbe diventata da lì a pochissimi anni quella della Nannini, non ci avrei creduto neppure davanti a un notaio. E invece andò esattamente così.

Nel 1998 però, prima di quella lunghissima pausa che ne seguirà e che permetterà loro appunto di suonare con la cantante toscana, Davide Oliveri e Raffaele Gulisano sono ancora saldamente legati a Giovanna Cacciola e Agostino Tilotta. Insieme sono probabilmente il corpo sonoro più duttile ma anche più robusto mai nato in Italia.

Sono ancora una volta loro quattro, stavolta senza la complicità di Giovanni Nicosia, a mettere mano a Different Section Wires, forse il capolavoro assoluto del noise-rock mai pensato da menti italiane. Un disco che arriva mentre la loro Indigena Records lavora a pieno regime (con le produzioni di 100%, Plank, Keen Toy e Jerica’s uscite praticamente una sopra l’altra) ma che può fregiarsi del logo Touch and Go sulla propria copertina, così come era stato per l’EP 4 di tre anni prima.

Quella tra l’etichetta di Chicago, la manovalanza artistica di Steve Albini e la musica del quartetto catanese è una delle combinazioni più riuscite e biologicamente naturali del rock contemporaneo. E Different Section Wires non tradisce le aspettative che questo connubio si trascina dietro.

La musica degli Uzeda diventa il borbottio gastrico di Polifemo, il rumore delle sue ossa mentre cerca di farsi spazio dentro la grotta dei ciclopi.

Non ha dimestichezza con le buone maniere.

È truce, snodata e infrangibile.

Corazzata come il corpo di un armadillo, si muove a scatti e a convulsi movimenti centripeti, fino ad azzannarsi la coda.

Attraverso la porta Uzeda passa il cavallo di Troia della più grande noise band italiana. Gran parte dell’Occidente viene abbattuto.

 

I grappoli di rumore di Wailing ci riportano, ad otto anni da Different Section Wires, dritto nell’intestino crasso degli Uzeda, per dirci che nulla è cambiato e che ciò che era paura allora, è paura ancora. E quel che era follia, follia rimane. Seppur lucidissima.  

Suoni spezzettati, scoscesi e lividi, massi di lava che cadono giù dal vulcano etneo. Enormi tizzoni di inferno che tracimano giù, spinti dalle mani titaniche degli Ecatonchiri. La musica degli Uzeda non è mai paga di nulla, neppure di se stessa. Vive in un perenne contrasto, si evolve e si protegge come una malattia autoimmune. È un accumulo di tensione pronta ad esplodere che a volte si riavvolge invece su se stessa, autoalimentandosi all’infinito, facendosi scudo mentre avanza colpendo. Stella ci restituisce la luce inquieta di uno degli astri-guida del firmamento noise mondiale. Noi da qui, alzando la testa, possiamo vederlo brillare come gli antichi i tuoni di Zeus.

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

 

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