MANO NEGRA – King of Bongo (Virgin)  

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Cantato per tre/quarti in lingua inglese, King of Bongo è il figlio americano della Mano Negra, concepito durante il tour mondiale del 1990 ma anche assistendo alla prima guerra trasmessa in diretta tv. Il disco, come la tournée, è il tentativo (fallito) di conciliare la musica della band con le aspettative del pubblico d’oltreoceano che ama pochissimo le alchimie con le musiche terzomondiste (la chiamano world music, ma in realtà lasciano intendere che quel “world” si riferisce a un mondo altro, ma inferiore. Terzo. Forse addirittura quarto. NdLYS) ma vuole rumore, distorsione, potenza di fuoco. Un pubblico che ama i film di Rambo. King of Bongo è stretto in una morsa fra la tentazione di piacere a quello che è nei fatti il vero pubblico davanti cu si sentono stranieri e la cupa rassegnazione davanti alla guerra in Iraq. L’ironia e la baldoria del gruppo vengono smorzate dai notiziari della CNN fino a venire soffocata, sommersa piuttosto da un’onda di rabbia che si abbatte sui muri elettrici di Letters to the Censors e Bring the Fire. C’è una consapevolezza amara, che si agita dentro il terzo album della Mano Negra.

E c’è pure, forse meno consciamente, la sensazione che a furia di rincorrerla (o di essere spinti a rincorrerla: ricordiamoci che la band è adesso sotto le ali della Virgin, NdLYS) l’America abbia conquistato anche loro. Che siano diventati in qualche modo un’altra colonia dell’impero dello Zio Sam. Il “bongo” che si portano dietro, come lo scimpanzé della canzone che intitola il disco, è l’unico souvenir che è loro concesso per ricordare la loro tribù di appartenenza. Come quei peruviani che ai bordi dei marciapiedi dei figli dei conquistador si ostinano a suonare El Condor Pasa con il flauto di Pan. Triste e paradossale.

La Mano Negra fa un tuffo nell’Oceano che li separa dal primo mondo. E in qualche modo, ne viene inghiottita.  

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

 

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L7 – Smell the Magic (Sub Pop)  

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Le L7 sembravano un gruppo di detenute chiamate a suonare per il Giorno del ringraziamento nel loro stesso penitenziario.

L’ordine era quello di cantare come se ti stessero strizzando i coglioni, senza averli. I precetti erano stati impartiti nella metà degli anni Ottanta dalle Sugar Babydoll poi, quando ognuna di loro aveva trovato la sua strada (Courtney Love con gli Hole, Kat Bjelland con le Babes in Toyland, Jennifer Finch con le L7), tali precetti erano diventati il marchio di fabbrica delle loro band e di tutto il movimento delle riot grrrls: ragazze con le palle, se non pensassi che tale definizione sia quanto di più maschilista e sessista possa essere usato nei confronti di una donna, sebbene queste ultime lo usino medesimamente per autodefinirsi o lo accettino comunque come un gran complimento. Molto più verosimilmente ragazze che affrontavano l’altro sesso sul medesimo campo di gioco, con sfrontatezza inaudita e provando a sovvertire il concetto di sesso dominante, senza dover accettare compromessi non voluti o complimenti a secondo fine, anche a costo di doversi sfilare i tampax e gettarli in pasto al pubblico per umiliare qualche bocca poco educata.   

Spregiudicate e abrasive nei contenuti e nelle musiche scelte per sottolinearli, finirono davvero per diventare lo yang del movimento grunge.

Del grunge Smell the Magic replicava i toni furiosi e la tecnica approssimativa e le L7 quell’aria da camioniste/i in sosta all’autogrill esibita da band come Tad, Melvins e Nirvana.   

 

                                                                                               Franco “Lys” Dimauro

URBAN DANCE SQUAD – Life ‘n Perspectives of a Genuine Crossover (Ariola)  

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Tutta la fertile promiscuità del crossover degli anni Novanta trova compimento dentro il secondo album della posse olandese che ha portato la commistione tra generi e culture diverse a livelli raramente toccati da altri più blasonati eroi del meticciato sonoro. Macchine e uomini che si alleano per governare il rumore, muovendosi in un labirinto dove hip-hop, metal, calypso, reggae, banghra, funky giocano a rincorrersi, a corteggiarsi o si affrontano a duello.

Rudeboy, Tres Manos, Dj DNA, Silly Sil e Magic Stick sono un’assortita crew da carro allegorico giamaicano che ama inerpicarsi per una sorte di moderna Torre di Babele tubolare le cui maglie diventano spesso così intricate da non permettere loro di poterlo trasformare di colpo in una testa d’ariete per penetrare le mura del facilmente comprensibile. Perlomeno non ancora. Gli Urban Dance Squad di Life ‘n Perspectives siedono insomma su un cavallo di Troia ingovernabile. Bizzarro ed imbizzarrito. Ne viene fuori un disco frammentario per costrutto (la stessa title-track viene divisa in quattro parti e spalmata lungo la scaletta) e risultati, dove ogni punto cardinale di riferimento viene sovvertito già al passo successivo, con l’intento di farci smarrire come dentro una giungla vietnamita.

Life ‘n Perspectives è un disco di cui potenzialmente potrebbero innamorarsi tutti ma del quale alla fine in pochi hanno la voglia di andare fino in fondo. Un disco per un numero di ascoltatori praticamente vicino alla soglia dell’infinito. Una torta gigante di pubblico. Solo, divisa a fette.

Una fetta per il chiasso metal-rap di Mr. Ezway.

Una per il mercatino indiano di Flaccostreet.  

Una per il passo alla RHCP di Grand Black Citizen.

Una per i caraibi che passano mentre la band suona For the Plasters.

E che forse (peccato) solo le belle Harvey Quint e Routine riusciranno a radunare per un ballo globale sul carro pazzo e colorato della Squad.

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

OFFICINE SCHWARTZ – L’opificio (Again/Luce Sia)  

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Andrea Chiesi è, negli anni Ottanta un bel ventenne modenese che si trova a frequentare, come tanti altri coetanei, vecchi capannoni industriali, officine abbandonate e stabilimenti fatiscenti. In maniera abusiva, spesso. Altre volte in veste, per così dire, “ufficiale”. Sono i luoghi dove quel che resta della scena punk e quella nuova della cultura hip-hop trovano anzi si prendono l’ospitalità altrove negata. Organizzano raduni, incontri, concerti, strategie.

Andrea Chiesi è lì per quello ma non solo per quello. È lì per lasciarsi sedurre da quei luoghi. Non dai corpi che li abitano ma da quelle strutture che li sovrastano, che li protegge e che allo stesso tempo custodiscono la memoria recente dei muscoli, del sudore, della fatica e della morte che hanno abitato quei posti. È lì anche quando ne esce, perché nei suoi disegni cerca di riportare il respiro di quei posti. Il mondo di Chiesi, in quegli anni, non può non intersecare quello delle Officine Schwartz di Bergamo anche loro attratti da quel mondo post-industriale, da quelle necropoli moderne dove schiavitù e libertà hanno convissuto fianco a fianco. E così, grazie ai ragazzi del Maffia di Reggio Emilia e dei grafici del Kom Fut Manifesto, Chiesi e le Officine si avventurano in quell’esplorazione delle fabbriche che è L’opificio, progetto multimediale dedicato al lavoro e al dopolavoro dentro il ventre industriale dell’Emilia.

Il materiale sonoro di quel disco è il cuore di questa ristampa aperta dallo ska meccanico di Carica!, title-track dell’E.P. uscito poco prima e qui aggiunto per intero assieme a tre bonus tratte da Stoccaggio Armonia e Meccanica che invece sono relegate in fondo alla scaletta dell’album.   

Le “manovre” dell’uomo-operaio vengono prestate all’utilizzo per un’opera concertistica dove mazze e seghe circolari convivono con canti di fatica e musiche popolari, riaggiornando il blues alla realtà post-bellica e partigiana della terra emiliana, suonato sotto l’occhio vigile e i fischietti dei capo-cantieri e dei padroni.

Ancora una volta le Officine portano il lavoro su un palco, nei teatri, dentro uno studio di registrazione. Onorano il sacrificio dei martiri dell’efficienza e dell’opulenza industriale. Reclamano un silenzio e un’attenzione riguardosa, come se dentro ogni pugno sferrato su un’incudine si muova la forza della mano divina.

E come se noi, avendone rispetto, provassimo qualcosa vicina al timor di Dio.

                                                                                   Franco “Lys” Dimauro

THE DUKES – …Get The Dukes (Mystery Scene)  

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Prendete tre ragazzoni tedeschi invasati per i Pretty Things e in generale per tutto il R ‘n B bianco coevo e permettete loro di registrare un disco, un solo disco, proprio mentre fuori impazza la grandine grunge, al riparo di un’etichetta gloriosa come la Mystery Scene (Wylde Mammoths, Crimson Shadows, Mistreaters, Untold Fables).

Il risultato, pubblicato nel 1991 è …Get The Dukes. Chitarre che ti sculacciano le natiche e armonica a bocca a strisciare sulle ferite che ti si aprono inevitabilmente sulla carne. Come succede in I’ll Come Back o I Got Something to Say.

Ma non solo, perché dentro l’unico album dei Dukes ci sono anche delle superbe ballate come We’ll Be Together, Bad Guy Indeed, Something on My Mind o It Would Have Been in Vain, intrise di blues e di quello spleen nordico che abbiamo imparato ad amare nei dischi dei Q65 e degli Outsiders, un quasi-Spencer Davis come The Old Hangman Is Dead e qualche cover d’ordinanza come You’re on My Mind dei superbi Birds o Roadrunner di nonno Diddley che aggiungono sapore al brodo, fino a farci venir voglia di leccare il piatto. Come bestie cui è concesso raramente di poter sorbire questo nettare prezioso.

Ciao Dukes, grazie per averci concesso di bere ancora dal Sacro Graal del rock ‘n’ roll.  

 

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

 

THIN WHITE ROPE – The Ruby Sea (Frontier/RCA)  

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Il tuffo tra le acque vermiglie di The Ruby Sea è un bagno tutt’altro che rigenerante.

Si respira un’aria di disfatta, come se dentro quell’imbarcazione che ha lasciato il deserto per avventurarsi al largo ci fosse una ciurma sfinita dalla calentura, partita per nuove terre da esplorare di cui però non si scorge traccia all’orizzonte.

L’isolamento che Guy Kyser si autoimpone per scrivere il nuovo materiale non dà i frutti sperati e anche l’aggiunta di qualche “scarto” delle passate stagioni non aumenta il livello qualitativo di un disco che sa di tempesta placata e che è un po’ la caricatura dell’impetuoso vento desertico dei Thin White Rope, ora ammansito in un country rock più ordinario che sono quasi un preludio alle “canzoni da campo” di Mark Lanegan e delle ballate dei Grant Lee Buffalo (Bartender’s Dog, The Clown Song, Up to Midnight avvolta nel coro delle sirene) o un tentativo fallito (Christmas Skies, The Lady Vanishes) di imporre Kyser come il crooner del Mojave.

Alla fine della traversata il capitano Kyser e i suoi marinai si adagiano sulla costa, stremati. Le vele si sono arrese al logorio dei venti e le funi, tutte, si sono al fine spezzate. Anche quella bianca e sottile.

Guy svuota gli ultimi granelli di sabbia rimasti nella sua clessidra sulla spiaggia del nuovo, sconosciuto approdo. Sabbia tra la sabbia. Di nuovo.

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

 

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LES NEGRESSES VERTES – Famille Nombreuse (Delabel)  

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Alla fine è toccata modificarla a me, il 19 Agosto del 2016, la striminzita paginetta italiana di Wikipedia dedicata ai Negresses Vertes dove il secondo album dell’ensemble parigino giaceva col titolo storpiato in Famille Hereux forse da un decennio buono, a testimonianza di una disaffezione che il genio sregolato di Helno non merita. Anche sul sito inglese, poco ci si dilunga sulla storia di una band che, se non ha cambiato la storia della musica francese, ha avuto il merito di consegnare al mondo la faccia più sporca della sua capitale, quella dei giostrai, dei clochard, dei rom, dei quartieri meticci, delle zone malfamate. Quelle di cui dopo gli attentati dei tempi recenti la Francia si disfarebbe con gran piacere e di cui i Negresses Vertes cantarono le zuffe alcoliche, i balli improvvisati davanti alle roulotte, le dichiarazioni d’amore accompagnate da una chitarra flamenco, una tromba impertinente o un accordéon col mantice logoro.

Insomma, la memoria non è stata benevola e la storia sembra essersi accartocciata sui Negresses Vertes e averli trascinanti in fondo alla Senna, nonostante dopo la morte di Helno la band abbia tentato di tenere in qualche modo spiegato il tendone del suo circo, ormai forato inesorabilmente.

Famille Nombreuse sarebbe dunque diventato l’epitaffio artistico della formazione. Di lì a breve Zobi la mosca avrebbe punto al cuore il loro poeta alcolista per portarlo a ronzare altrove, privandoci di uno dei più brillanti giovani artisti francesi e lasciandoci soli, in compagnia di qualche suo clone. Famille Nombreuse ripercorre i quais già calpestati col disco precedente, forse con un tocco carnevalesco in più (Sang et Nuit, Hou Mamma Mia, Infidèle Cervelle). Come se ci invitassero a far festa. E come se questo invito ci servisse di monito.   

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

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PRIMAL SCREAM – Screamadelica (Creation)  

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Bobby Gillespie manda giù la prima pastiglia di ecstasy nell’Aprile del 1989, direttamente dalle mani di Alan McGee, il boss della Creation Records. Quattro mesi dopo incontra per la prima volta Andrew Weatherall, uno dei Messia dell’acid house durante un pellegrinaggio a Brighton. Sono queste le due tappe fondamentali che danno il via alla creazione di Screamedelica, il disco capace non solo di trasformare i Primal Scream (che, nonostante due album alle spalle, sono ancora dei Signori Nessuno) nella band del Regno Unito più importante del post-Smiths e del pre-Oasis ma di marchiare col loro nome la storia della musica moderna.

L’album è una celebrazione, tardiva ma pertinente, della seconda estate dell’amore, quella dei rave parties, delle pillole portentose, dei dj agitatori di folle, dei remix come forma d’arte e celebrazione somma del matrimonio tra musica dance e brivido rock.

Seppur costruita in ritardo ne rappresenta, in termini discografici, l’architrave.

Come se la condensa umida generata con l’evaporazione della stagione acid fosse stata raccolta sulla sua superficie e ce ne piovessero le gocce ogni volta che se ne gira una delle sue quattro facciate.

Screamadelica è pensato per il pubblico dei club, che diventa da questo momento la base dei fans dei Primal Scream. Gli altri si accoderanno all’entrata una volta averne letto delle sue meraviglie sulle classiche riviste rock. Come l’inalatore da aerosol usato nei rave per prolungare e amplificare gli effetti delle pastiglie, Screamadelica permette di allungare gli effetti delle feste a base di musica e droga per un dosaggio casalingo. Un “first aid” domestico, da tenere nella dispensa del bagno.

I Primal Scream deformano la loro musica usando degli additivi di sicura efficacia. Si chiamano Andrew Weatherall, Orb, Tony Martin, Jah Wobble, Paul Taylor. Quello che ne viene fuori è un paradossale blob di ritmi sintetici, organi da cerimonia evangelica, voci soul, soffi raga, riff e solo Stonesiani, cori gospel, bassi dub, campionamenti, trombe jazz, bip elettronici, groove da funk latino.

Come se il Diavolo evocato da Jagger alla fine gli avesse dato appuntamento ad Ibiza, chiamando i Barrabas come testimoni.

Screamadelica nasce benedetto da Dio e dal suo rivale. Per questo tutti, in cielo e sulla terra, oltre ad esaltarne le virtù gli hanno perdonato anche i peccati che ad altri non furono perdonati.              

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

THE JESUS LIZARD – Goat (Touch and Go)  

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Un autentico rigurgito di fiele.

Goat è la raffigurazione Gigeriana dell’abominevole mondo dei Jesus Lizard.  

Un disco dove ogni raccapriccio, ogni fobia, ogni perversione trova una sua rappresentazione fedele nell’orrore e nel godimento sadico che ne deriva.

Il rantolo psicopatico di David Yow, le chitarre invasive di Duane Denison e il martoriante picchiare di Sims e McNeilly creano un universo angoscioso che deve essere simile alle urla strazianti e al percuotere sulle sbarre provenienti dalle camere di isolamento di un ospedale psichiatrico.

Ascoltare Goat è come essere intrappolati nei corridoi su cui quelle prigioni per maniaci seriali si affacciano.  

Si può sentire il proprio corpo annaspare, avvertire tutto l’affanno della paura indotta dalla claustrofobia. Sentirne tutto lo sgomento.

Qualcuno pare stia rivettando il corpo di Cristo su una qualche nuova croce di acciaio e piombo.

Potremmo essere noi.

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

 

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SIOUXSIE & THE BANSHEES – Superstition (Polydor)  

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L’album sintetico dei Banshees. Dietro il vetro dove l’ex-regina del dark sbatte le sue ali c’è un summit di ingegneri. Stephen Hague (l’uomo dietro le macchine di Pet Shop Boys e New Order), Nigel Goldrich, Will O’Sullivan, Abdul Kroz-Dressah, Mike Drake. Sembra di stare in un ateneo. 

E invece siamo dentro Superstition, il decimo album di una della band più importanti della new-wave inglese, ormai quasi giunta al capolinea ispirativo e che adesso arranca a fatica dentro un labirinto di suoni elettronici e di chitarre heavy e vagamente glam, sorta di improbabile ponte di raccordo tra i Wall of Voodoo di Happy Planet e i Cult di The Witch oppure galleggia in infiniti vuoti d’aria che sembrano davvero l’anticamera d’attesa infinita del paradiso.

Siouxsie affonda le labbra in uno spumoso stecco di zucchero filato, in un atto estremo di fiduciosa superstizione.   

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

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