REDD KROSS – Beyond the Door (Merge)

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I had a dream.

Un sogno piccolo, che non scomodi nessun vecchio eroe della storia.

Sogno che quest’anno un disco di power-pop possa piazzarsi in vetta alle playlist personali o collettive di ascoltatori e giornalisti.

È un sogno indotto, ovviamente. Un sogno indotto dall’ascolto di Beyond the Door, ultimo disco di Jeff e Steve McDonald, i fratelli che si rifiutano di invecchiare, i fratelli cui Courtney Love impedì di aprire mai un solo concerto dei Nirvana, nonostante avessero lo stesso manager, biasimando loro per quanto invece avrebbe dovuto accusare il McDonald dei fast food.

I fratelli McDonald tornano oggi con un disco abbagliante. Uno di quelli che ti conquista al primo ascolto, alla prima nota, al primo riff che in questo caso è “rubato” a Henry Mancini, autore nel 1968 della colonna sonora di quel film-culto che fu Hollywood Party. Che forse non è una scelta ardita ma è di una coolness con pochi rivali, dote che fa la differenza fra i Redd Kross e le centinaia di band di punk melodico che si sentissero legittimate a rivendicare diritti su canzoni come There’s No One Like You o The Party Underground.

Ma l’asse vincente di Beyond the Door è costituito da canzoni come Fighting, Fantástico Roberto, What’s a Boy to Do?, Punk II, Beyond the Door e le due cover che aprono e chiudono il disco, tutte trionfali e gommose pastiglie power-pop che puoi infilare nella lavastoviglie per tirare via tutto quel po’ di sporco che nostro malgrado ci incrosta l’anima a fine giornata.

Perché in fondo, anche questa è una missione da Croce Rossa.     

 

                                                                                               Franco “Lys” Dimauro

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TY SEGALL – First Taste (Drag City)

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Incontro più Ty Segall che i miei amici. Non sto esagerando.

Non dico per strada o al bar, dove peraltro non incontro neppure quegli altri, ma in questa sorta di mondo metafisico dove tutti ci siamo un po’ tutti rifugiati e nel quale, come in quello reale, la musica regna sovrana. Parlo del mio, ovviamente.

Negli ultimi due anni ho incrociato Ty una mezza dozzina di volte, compreso questo nuovo incontro con First Taste, nuovo disco in studio inciso a suo nome. E ogni volta è un incontro piacevole, mai scontato. Ogni volta Ty mi racconta alcune cose che, come accade un po’ con tutti, si è dimenticato di avermi già raccontato la volta precedente e ci aggiunge qualche aneddoto recente, inedito. In questo caso ad esempio la cosa totalmente nuova riguarda una pianta di ghiaccio. Ed è una storia talmente bella e “gelida” che decide di raccontarmela spegnendo l’amplificatore, perché le parole arrivino forti e avvolgenti, come una sciarpa calda che permetta a quell’albero di non perdere tutte le foglie. Avvolgendo anche me che ne ho perse così tante da non riuscire più a contarle e da non avere più neppure la forza di rinnovarle. Ecco perché quando arriva quella cosa a forma di abbraccio intitolata The Arms le mie difese sono così basse che quasi me la immagino vera, quella stretta amorevole.  

Il resto sono storie familiari. Cui però Ty Segall aggiunge qualche particolare prezioso. Piccoli strumenti desueti ad esempio, come il bouzouki, la cetra giapponese, il mandolino o strumenti a fiato che colorano e “gonfiano” ulteriormente il suo rock decadente, sporcandolo con una sorta di funky soffocato, un groove ritmico insistito che evoca certe perversioni no (Self Esteem, When I Met My Parents) e new wave (RadioThe FallWhatever) che alla fine si spengono nell’epica cavalcata in assenza di gravità di Lone Cowboys che è tutto quello che ci aspettavamo dai Love and Rockets una volta lasciata la stazione spaziale dei Bauhaus e che invece si trasformò in una delle missioni più fallimentari della storia moderna.

Ciao Ty. Bentrovato. Hai più rivisto i miei amici? Quelli che prima si sono rimpiccioliti come Alice in tante piccole figurine circolari sui social che poi si sono sbiadite al sole diventando come il tuo albero di ghiaccio?

 

                                                                                               Franco “Lys” Dimauro

DOCTOR & THE MEDICS – Laughing at the Pieces (I.R.S.)  

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Il primario Clive Jackson e la sua equipe di medici psichedelici che ballano al ritmo gommoso di Spirit in the Sky di Norman Greenbaum è uno dei ricordi più belli e colorati della mia adolescenza. Era il 1986 e mentre su Canale 5 andava La valle dei pini, il mio primo telecomando sceglieva di posizionarsi su Italia 1 per guardare Deejay Television, dove la merda era tanta. Ma ogni tanto saltava fuori qualche stronzo che sembrava voler parlare con te.  

Doctor, stimato professionista delle sale operatorie del Clinic di Soho, era uno di questi.

La sua band, una versione da fumetto delle congreghe hippie degli anni Sessanta. O, se preferite (e io lo preferisco) il monoscopio dei canali RAI in movimento. Buono, ottimo per testare i colori dello schermo video.  

Perché la musica di Laughing at the Pieces invece di psichedelico aveva ben poco. Anzi, a dire la verità, nulla. Ad essere rievocato, quando va bene, è l’altrettanto pittorico glam rock degli anni Settanta. Quando va male, è quel nulla cosmico cui si avvicineranno altre band anche con un curriculum migliore del loro, come i Love and Rockets.

Nulla per cui valga la pena spendere più di tre quarti d’ora e tre quarti di banconota da dieci. Ma grazie comunque Dottore per aver colorato i miei pomeriggi come solo pochi riuscirono o vollero fare.

 

                                                                                               Franco “Lys” Dimauro

ROYAL TRUX – White Stuff (Fat Possum) 

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Mentre la Wikipedia italiana, sempre in ritardo clamoroso su tutto, riporta ancora “I Royal Trux furono un gruppo rock statunitense”, il duo Herrema/Hagerty torna sul mercato dopo quasi venti anni di divorzio pubblicando White Stuff, disco di morbosissimo funky-glam che suona come mille lingue che leccano la sagoma di Marc Bolan immortalata su Electric Warrior. O come quelle ciambelle del water imbottite di tessuto, che scaldano il culo e assorbono piscio, se con le immagini più crude riuscite a far volare meglio la vostra fantasia.

Un glam-rock che è, sorvolando sui dischi più enigmatici e avanguardistici del duo, la cifra stilistica preferita dei Royal Trux. Camuffato, mascherato, deformato come nei peggiori incubi di Ty Segall o nei sogni sfocati di Beck ma tutto sommato facilmente individuabile su gran parte dei brani di questo loro nuovo album, da White Stuff a Suburban Junky Lady, da Whopper Dave a Every Day Swan, vicinissimi se non sovrapponibili a quanto prodotto dalla Herrema coi suoi Black Bananas, compresa la fascinazione per le musiche delle tribù urbane qui esibita in pezzi come Sic Em Slow e Purple Audacity #2.

La musica dei Royal Trux tuttavia procede a sbuffi, e qui sta la sua forza.

Non ci sono carezze ne’ pugni ma solo sbuffi di noia tossica.

Hagerty e la Herrema si muovono quasi in assenza di ossigeno, come in quel gioco erotico in cui il culmine orgasmico coincide col momento di asfissia quasi letale. Chissà che adesso non vi tocchi di doverlo provare.

 

                                                                                   Franco “Lys” Dimauro

QUEEN – Sheer Heart Attack (EMI)  

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Una delle (non moltissime) chance per i Queen di farsi un giro sul mio giradischi gli è concessa con Sheer Heart Attack, album dove il cattivo gusto cui si abbandoneranno sempre più spesso lungo la loro carriera e i cui prodromi sono già avvertibili in alcuni passaggi di questo loro terzo album è bilanciato da una scaletta memorabile, piena di fuochi d’artificio proto-metal e una conturbante anima glam che con buona approssimazione potremmo individuare tra la Alice Cooper Band e i Mott the Hoople.

Un disco dove le due anime gender convivono fianco a fianco, si corteggiano e lottano già dall’iniziale Brighton Rock dove Mercury dà sfoggio di una delle sue prime prove di istrionismo vocale mutando registro nell’interpretare i dialoghi tra uomo e donna che ne sono protagonisti. Dietro di lui, tutto si accende di una vitalità elettrica esaltante fino a che la chitarra di Brian May arriva a prendersi tutto, divampando in un rifferama che porta in seno già tutto il metal che arriverà e che più avanti, su Stone Cold Crazy, è già arrivato: sta tutto lì. E lo avremmo avuto anche se non fossero arrivati i Metallica o i Motörhead. E sta tutto lì non dal 1974 ma dal 1969, l’anno in cui Mercury la compone e la esibisce al pubblico con la sua band di allora.

Killer Queen e i due movimenti di In the Lap of the Gods sperimentano già con i timbri da operetta e le sovrapposizioni vocali che raggiungeranno l’apice di perfezione l’anno successivo su Bohemian Rhapsody.

Now I’m Here trasferisce i giochi vocali su un tipico rock ‘n’ roll vizioso e camp figlio del Bowie di Suffregette City.      

Ma sono le canzoni dove il muro di suono diventa feltro a costituire il vero tesoro del disco: Tenement Funster, She Makes Me (Stormtroopers in Stilettos) e Misfire, cantate rispettivamente da Roger Taylor, Brian May e su doppio registro da Freddie Mercury (ma scritta da John Deacon) sono tra i capolavori del glamour-rock inglese, piccole delizie androgine strapazzate da qualche critico in preda al fuoco di Sant’Antonio testosteronico e assetato di melodramma, trascurate da chi “ti faccio una cassetta dei Queen, ci metto i brani più belli”, considerate molto banalmente di serie-B da chi mette in serie A l’inno al Super-uomo di We Are the Champions. Non da me.     

 

                                                                                               Franco “Lys” Dimauro

ALICE COOPER – Billion Dollar Babies (Warner Bros.)  

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In una delle stanze del Teatro-Museo di Salvador Dalí, a Figueres, c’è un minuscolo  Alice Cooper che gira dentro un cilindro di vetro. Gambe incrociate, ingioiellato e con una statua di Venere al posto del microfono. Il suo cervello è stato tirato fuori dal cranio e gira assieme a lui ma fuori dal suo corpo, condito con formiche e cioccolato. È l’Alice Cooper che con School’s Out è diventato nel 1972 il dominatore assoluto dello shock-rock e che ha appena pubblicato Billion Dollar Babies.

Cosa aveva visto Dalí in Alice Cooper? Un’anima affine, un perverso polimorfo simile a lui? Una versione tagliente, malvagia, negativa della bellezza raffaellita che lo aveva attratto da sempre? Un sogno erotico androgino proibito e quindi ancora più desiderabile, come quando da piccolo gli veniva impedito di accedere nei locali della cucina di casa? Forse tutte queste cose. Forse nessuna. Forse tutte e ancora altre. Nessuno può dirlo. Neppure loro, che di sicuro mentirebbero entrambi, pur se fossero entrambi vivi.

Billion Dollar Babies, l’album uscito in quel medesimo periodo, è l’ennesimo disco-commedia, una sit-com in cui i protagonisti incarnarti o descritti da Vincent Furnier si trovano invischiati in situazioni paradossali.

Travestiti, necrofili, odontofobici, suore ninfomani, candidati alla presidenza degli Stati Uniti (Elected gli portò allora DAVVERO una manciata di voti alle presidenziali poi vinte da Nixon e venne in seguito utilizzata per la vera candidatura di Furnier alle elezioni del 2016, con un programma elettorale che prevedeva tra le altre cose l’aggiunta della scultura di Lemmy alle celebri facce presidenziali del Monte Rushmore e il rientro forzato di Brian Johnson negli AC/DC, NdLYS), stravaganze e caricature assortite che favoriscono l’adozione degli Alice Cooper da parte del pubblico metallaro, senza che in realtà la formazione abbia mai abbracciato il verbo hard-rock. Come se la strega Cooper avesse davvero fatto un sortilegio.

Billion Dollar Babies e le sue bellissime Raped and Freezin’, No More Mr. Nice Guy, Mary Ann, Generation Landslide, Elected confermano invece gli Alice Cooper come i più credibili eredi del cabaret macabro e assurdo di Zacherle e Lord Sutch. A dimostrazione che Salvador Dalí ci vedeva meglio dei metal-kids.

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

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THE MURLOCS – Old Locomotive (Flightless)

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Il fischio della locomotiva annuncia l’entrata in stazione del treno dei Murlocs, al rientro dal suo terzo viaggio.

Per chi non lo sapesse ancora i Murlocs sono la riduzione a minimo comune multiplo dei King Gizzard, dediti ad un suono più “domestico” e contenuto che svolazza dalle parti di una psichedelia di impronta garage e che, soprattutto vocalmente, esibisce chiare ascendenze glam. Per questo chi segue appassionatamente le dimensioni monoaurali di un personaggio come Ty Segall con tutte le sue variabili potrebbe amare i Murlocs più di quanto possano farlo i fans del gruppo madre.

Le canzoni di Old Locomotive non sono mai macilente come quelle delle garage-band che dettano legge in materia oggigiorno (diciamo da quando qualcuno ha messo i fondoschiena degli Allah Las sul trono) e neppure filologicamente aderenti alle matrici originarie del suono beat-punk. Cosa che potrebbe permettere ai Murlocs di raggiungere un inaspettato numero di ascoltatori e di piegarli al loro volere, un po’ come fecero i Dandy Warhols venti anni fa.

Di certo al prossimo arrivo in stazione ad attenderli sulla banchina ci sarà molta più gente di quella che affollava la fermata a questo giro.     

 

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

THE THINGLERS – The Thinglers (Area Pirata) / BARMUDAS – Rock the Barmudas (Area Pirata) / BRIAN JAMES – Too Hot to Pop (Easy Action) / LOVELAND – Strange Charms/Web of Sound (Hound Gawd!)

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Basterebbero i nomi di Ugly e Vetriolo per far rizzare i capelli, sempre che siano rimasti, ai cultori del neo-garage italiano. Rispettivamente organista e vocalist dei Woody Peakers di Pordenone, sono i due veterani reclutati tra le fila di questa nuova meraviglia chiamata The Thinglers, al debutto assoluto sotto l’egida dell’Area Pirata. Il loro EP d’esordio è urticante come una lastra di ghisa esposta alla fiamma viva. Favolose le cover di Hangin’ Out dei texani Blox e di Come On degli australiani Atlantics che aprono le due facciate come tesissimi fil di ferro che ci riportano al cuore delle teen-bands degli anni Sessanta. Dei due pezzi originali a spiccare è la breve, spasmodica Without You che dice in soli due minuti tutto quello che tante band provano a dire parlandosi addosso per tre quarti d’ora.    

Altro debutto assoluto è quello dei Barmudas, naturalizzati toscani che viaggiano dentro un turpe suono da glam-rock proletario. Immaginate il rock ‘n’ roll delle New York Dolls privato di ogni piuma e ripulito da ogni lustrino e suonato per camionisti e bikers invece che per i vip dei locali underground. Il suono è asciutto e povero: una chitarra, un basso, una batteria e una voce. Non ci sono seconde chitarre o tastierine a sistemare il make-up. Perché qui, come dicevo, di trucchi non ce ne sono e non ce ne servono.

Colpito dalla morte di Chuck Berry, Brian James ha pensato che fosse il caso di pagare omaggio al Maestro incidendo una sua canzone. Il pezzo scelto è Around & Around, la prima delle quattro canzoni di quello che, una volta in studio, è diventato un tributo non solo a Berry ma ad alcuni dei suoi “vizi” preferiti dall’ex-Damned negli anni in cui decide che imparare a suonare la chitarra avrebbe in qualche modo potuto salvargli la vita. Ecco così arrivare Long Tall Shorty, Route 66 e Livin’ Doll a tenere compagnia ad Around & Around che, alla fine dei giochi, si rivela la cover più debole del lotto. Se la conclusiva versione di Livin’ Doll di Cliff Richard è risolta come una sorta di ballata da dublinesi ubriachi, i restanti tre brani suonano piuttosto come un omaggio ai Dr. Feelgood: un tronco d’albero su cui sono incisi con un temperino i nomi sacri del rock ‘n’ roll.

Tornata tra i ranghi dei Fuzztones dopo l’impegnativo ruolo di mamma seguito alla nascita di Twila May Protrudi, Lana Loveland trova il tempo per registrare anche un paio di canzoni (preludio, pare, ad un nuovo album) con la band di cui è titolare e che vede il marito Rudi impegnato nel ruolo di bassista e il fido Lenny Slivar in quello di chitarrista. Strange Charms e Web of Sound giocano sugli assi fuzztonesiani della psichedelia un po’ macabra che è tanto cara alle due band con spruzzate di organo Farfisa e di fuzz-guitars ad imbrattare tutto, ben sapendo che è là dentro che voi andrete a frugare, non potendo frugare tra le mutandine della Sig.ra Protrudi.  

 

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro

 

 

TY SEGALL – Fudge Sandwich (In the Red)  

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Chissà che l’obiettivo finale di Segall non sia quello di accaparrarsi tutta l’intera classifica nelle annuali playlist delle riviste o dei blog musicali. O forse più umilmente di piazzarne almeno uno, cosa che magari quest’anno potrebbe accadere con Fudge Sandwich, visto che alla fine i cover-album piacciono un po’ a tutti. Anche quando sono spiazzanti come questo. Ty Segall allestisce un barbecue fuzz dove mette a friggere pezzi come Hit It and Quit It dei Funkadelic, The Loner di Neil Young, Archangel Thunderbird degli Amon Düül, I’m a Man dello Spencer Davis Group, Rotten to the Core dei Rudimentary Peni, St. Stephen dei Grateful Dead. Fuoco, fiamme, fumo. Un casino.

Ma le vere perle del disco sono in realtà la versione acustica di quel classicone del punk americano che è Class War dei Dils, l’inquietante cover di Low Rider dei War che introduce al disco con un tono abominevole e malato degno di Trent Reznor e la riduzione in salsa Beatles di Slowboat degli Sparks.

Una scaletta apparentemente illogica che va dal kraut-rock all’R&B, dal funk all’anarco-punk, dall’acid-rock al rock d’autore ma che invece si adatta perfettamente alla logica folle di Ty Segall. Violente grandinate elettriche e poi il riparo sotto il legno accogliente di una chitarra acustica. E un’ombra gotica che si affaccia di tanto in tanto dalla balaustra, sporgendosi fino a cadere giù, sul nostro banchetto di sandwich grassi ed indigesti.   

           

                                                                                  Franco “Lys” Dimauro

 

BEECHWOOD – Inside the Flesh Hotel (Alive Naturalsound)  

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Torna a pochissimi mesi dal secondo album la più britannica fra le band retro-rock newyorkesi. A dispetto del look d’epoca CBGB’s i Beechwood conciliano infatti il wall of sound di Phil Spector con il morbido glam di Marc Bolan, le nebbie shoegaze di Teenage Fanclub e Jesus and Mary Chain o i motori fumanti e detroitiani degli Hypnotics. Fatevi una passeggiata tra Boy Before, Bigot in My Bedroom e la strumentale (ma inutile) Nero per capire quanto. Una figura, quella di Spector, che era già stata rivalutata da formazioni storiche dell’underground newyorkese (New York Dolls e Ramones) e che aveva conquistato in toto i Beatles, altra influenza che emerge prepotente tra i ninnoli Mersey-sound di Up and Down ma anche nell’approccio vocale che Gordon Lawrence riserva a The Ram.

Il suono di Into the Flesh Hotel è come avvolto dentro una densissima coltre di polveri sottili. Come se mentre migliaia di persone fuggono tra le polveri delle Twin Towers, da quei due castelli sbriciolanti arrivi l’eco di Sonic Flower Groove dei Primal Scream che qualcuno non ha fatto in tempo a togliere dal piatto. Un’immagine brutta e fuori luogo?

Sono d’accordo con voi.

Allora provate ad immaginare le Crystals sotto i cieli brumosi dell’Aprile dei fratelli Reid. Di nero vestite. Con le acconciature scarmigliate dal vento, schiacciate dall’umidità, leggermente denudate come le Dum Dum Girls.   

Un suono profondamente olfattivo, quello dei Beechwood. Floreale, addirittura in pezzi come Amy, Sucker, Our Love Was Worth the Heartbreak, che fa un po’ a pugni con quell’immagine da ragazzi di strada di cui la band fa mostra nelle sue foto promozionali. Totalmente innocuo, a dirla tutta. Un po’ come quello dei Vaccines o dei Male Bonding.

La rivoluzione non passa da quest’albergo. Potete prenotarci un paio di notti.        

                                                                                              Franco “Lys” Dimauro